Histoire de la scénographie théatrale

1. Étymologie de la scénographie

• Scénographie vient du latin scaenographia et du grec ancien skênographia.
• Composée de skênê (« scène ») et graphein (« écrire/dessiner »).
• Initialement, la skênê désignait la tente ou baraque en bois, puis l’édifice clôturant l’espace de jeu dans le théâtre grec.

2. Définition de la scénographie

• Scénographie = l’art de créer et d’organiser l’espace scénique nécessaire à la représentation théâtrale.
• Elle vise à évoquer les lieux de l’action ou à en prolonger le sens par l’illusion, le symbolisme, le naturalisme ou l’abstraction.
• Elle s’appuie sur la perception optique et l’agencement du décor, du matériel, etc.
• Le scénographe est le créateur qui dessine ou peint les décors.

3. Étymologie du théâtre

• Théâtre vient du latin theatrum, du grec ancien théatron, signifiant « lieu où on regarde ».
• Le théâtre est donc un espace conçu pour la réception visuelle du spectacle.

4. Fonction principale de la scénographie

• Déterminer une spatialité adaptée au jeu du comédien et à son rapport avec le lieu et les spectateurs.
• Organiser l’espace pour renforcer la narration et l’expérience visuelle.

5. Histoire et évolutions clés

La scénographie est l’art de créer un espace scénique qui donne vie à la représentation, en jouant sur l’illusion et la perception visuelle.

1. Théâtre antique : Grèce et Rome

a) Théâtre romain : architecture et organisation

• Le théâtre romain en pierre est construit à Rome par Pompée au milieu du 1er siècle av. J.-C.
• Il reprend l’architecture grecque de l’hémicycle, optimisée pour le confort des spectateurs.
• Contrairement au théâtre grec souvent en plein air, les théâtres romains sont des édifices fermés situés à l’intérieur des villes, facilitant l’accès et protégeant le public par un velum (toile tendue).
• La capacité peut atteindre 30 000 spectateurs.
• L’orchestra est réduite à un demi-cercle ouvert à 180°, car l’hémicycle des gradins est soudé à la scène et au mur de scène.

b) Disposition sociale et accès

• Le théâtre est accessible à tous, mais les classes sociales restent distinctes dans leur placement.
• Initialement, les spectacles romains se déroulent dans des espaces nomades et démontables, sans gradins (spectateurs debout).
• Les gradins apparaissent au IIe siècle av. J.-C., d’abord temporaires, puis permanents.

c) Décor et architecture scénique

• Le frons scenae est un décor fixe, combinant illusion et naturalisme.
• Les éléments architecturaux décoratifs (colonnes, frontons, statues) sont intégrés dans la construction scénique.

d) Art dramatique romain

• Les Romains développent un art dramatique propre : farces, satires, etc.
• Ces spectacles prennent d’abord place dans des espaces mobiles, avant l’édification de théâtres fixes.

Le théâtre romain est un édifice fermé, capable d’accueillir un large public, avec un décor architectural fixe et un espace scénique intégré à l’hémicycle des gradins, contrastant avec le théâtre grec en plein air et à structure plus ouverte.

1. Le théâtre antique : Théâtre de Fourvière et Odéon

• Théâtre de Fourvière (15 av. J.-C.) :
  • Style classique avec orchestre, cavea (gradins) et scène.
  • Capacité initiale : 5 000 spectateurs, portée à 10 500 au IIIe siècle.
  • Aujourd’hui : 2 600 à 4 500 places pour les Nuits de Fourvière.
• Odéon :
  • Plus petit, capacité de 3 000 personnes.
  • Usage : musique, lectures, réunions privées (lieu couvert, plus intime).
  • Daté de la fin du Ier siècle, début IIe siècle.

2. Le théâtre au Moyen Âge (476 - 1492 environ)

a) Caractéristiques générales

• Espaces de jeu provisoires : absence de lieux fixes dédiés au théâtre.
• Le théâtre s’installe dans des lieux non théâtraux : églises, palais, places de villages.
• Objectifs : éduquer et divertir le peuple, comme dans l’Antiquité.
• Représentations liées à des fêtes religieuses ou profane.

b) Structures scéniques

• Le théâtre de tréteaux est la forme la plus courante, d’où l’expression « monter sur les planches ».
• Le public est généralement debout, ce qui favorise la proximité avec les acteurs.

Le théâtre médiéval s’adapte aux espaces disponibles, privilégiant la mobilité et la simplicité des structures scéniques.

1. Théâtre médiéval : genres et évolutions

• Genres principaux :
  • Mystères : épisodes bibliques ou vies de saints.
  • Farces : comédies populaires.
• Évolution des lieux :
  • Passage des représentations en plein air (places publiques) à des lieux clos payants dès le XIVe-XVe siècle.
• Décors et machineries :
  • Décors très limités, souvent des écriteaux pour indiquer les lieux.
  • Développement des machineries pour créer des effets spéciaux.
• Organisation spatiale :
  • Aires de jeu circulaires ou frontales avec des parties indépendantes (mansions) pour chaque épisode.
  • Présence de loges et gradins, favorisant une proximité entre acteurs et spectateurs.
  • Théâtre profane avec scènes de tréteaux rudimentaires face à un public debout.
• Déclin au XVIe siècle :
  • Interdiction des mystères vers le milieu du XVIe siècle, car l'Église veut réserver la foi aux savants.
  • Le théâtre entre en déclin jusqu'à sa redéfinition ultérieure.

2. Théâtre Élisabéthain (1562-1642)

Le théâtre Élisabéthain se distingue par son mélange de genres et son goût pour les thèmes sombres, marquant une rupture avec les formes médiévales.

1. Le théâtre élisabéthain

• Forme : ronde ou polygonale avec un espace central vide.
• Structure : construit en bois, entouré sur trois côtés par trois étages pour les spectateurs.
• Caractéristiques scéniques : pluralité d’espaces et variation des plans offrant de nombreuses possibilités pour accompagner une écriture dramatique nouvelle.
• Décor : absence d’effets décoratifs, compensée par la richesse des costumes.
• Exemple actuel : Théâtre d’Hardelot (Condette, Pas-de-Calais), seul théâtre élisabéthain en France, conçu par Andrew Todd, récompensé pour la meilleure construction en bois au monde.

2. Le théâtre à l'italienne : naissance du théâtre moderne

a) Définition et origine

• Théâtre à l'italienne : style architectural centré sur l’organisation intérieure des volumes des théâtres.
• Origine : fin du XVIe siècle en Italie.
• Diffusion : modèle absolu du théâtre en Europe, particulièrement prisé aux XVIIIe et XIXe siècles, jusqu’en Amérique du Sud.

b) Caractéristiques architecturales et scéniques

c) Notion clé : scénographie

• Scénographie : art de représenter un lieu en perspective, intimement lié à l’architecture théâtrale italienne.
• Elle associe la conception spatiale et technique pour créer un univers scénique cohérent et dynamique.

Le théâtre à l'italienne a révolutionné la scénographie en intégrant architecture, machinerie et perspective pour répondre aux exigences du théâtre moderne.

1. Le théâtre baroque : naissance de la scénographie

• La scénographie naît à l’époque baroque, avec l’apparition de décors en perspective utilisant des toiles peintes et des éléments construits.
• Le théâtre baroque vise à créer une illusion réaliste grâce à la perspective, renforçant la vraisemblance de la représentation.

2. Le théâtre à l’italienne : caractéristiques clés

3. Innovations scénographiques et machineries

• Le plateau permet à l’acteur de jouer à l’intérieur de la scène, favorisant une mise en scène plus réaliste.
• La perspective crée une confusion entre le monde réel et la représentation, trompant les sens par une copie sensorielle.
• La scène accueille une scénographie plus complexe, impossible dans les théâtres de plein air.
• Elle est équipée de machineries avancées : fonds perspectifs, escaliers, dispositifs artificiels, permettant des changements rapides et des effets spectaculaires.

4. Exemple emblématique : le Teatro Olimpico

• Premier prototype du théâtre baroque à l’italienne.
• Situé à Vicence, il illustre l’intégration des décors en perspective et des machineries dans un espace clos.

La scénographie baroque repose sur la perspective et les machineries pour créer une illusion réaliste et immersive, transformant la scène en un espace autonome et dynamique.

1. Le théâtre classique et les règles du classicisme

a) Le théâtre italien et la perspective

• Espace scénique : la scène est profonde (plus de 12 mètres), ce qui accentue le jeu des perspectives.
• Rapport scène/salle : la perspective crée une frontière nette entre le spectateur et la représentation, marquant la séparation entre réalité et fiction.
• Éléments délimitant la scène : cadre de scène, rideau, lumières, fosse d’orchestre.
• Perspective accélérée : pour que l’illusion fonctionne, le regard du spectateur doit être frontal et centré sur le point focal du décor.

b) Le théâtre baroque (XVIIe - XVIIIe siècle)

• Siècle du théâtre : développement du concept de vanité, c’est-à-dire la relation de l’homme à la mort.
• Jeu frontal : l’acteur s’adresse directement au public, à la manière d’un orateur ou prédicateur, en accord avec l’architecture des théâtres.
• Ambiance lumineuse : lumière douce des bougies, costumes chatoyants, maquillage au blanc de céruse.
• Décors : accumulation de lieux et temporalités multiples, décors souvent surchargés.
• Théâtre des machineries : utilisation de multiples points de vue et compartiments traités à différentes distances, créant une impression de disproportion.
• Perspective multiple : les fuyantes convergent vers plusieurs points de fuite, renforçant la complexité visuelle.

À retenir : Le théâtre classique impose un cadre rigide où la perspective frontale et le jeu direct avec le public sont essentiels pour maintenir l’illusion théâtrale et la séparation entre fiction et réalité.

1. Théâtre baroque et illusion

• Esthétique baroque : fondée sur le principe de l’illusion pour créer des effets grandioses, notamment par le trompe-l’œil.
• Décoration simultanée : tous les décors nécessaires à la pièce sont visibles en même temps, représentant différents lieux de l’action sur scène.
• Pour renforcer la profondeur, on utilisait parfois des figurines découpées au dernier plan, accentuant l’effet d’éloignement.

2. Théâtre classique (1660-1685) : le classicisme

• Le classicisme revient aux modèles antiques et privilégie la rigueur dans la construction dramatique.
• Principaux auteurs : Molière (comédie) et Racine (tragédie).

a) Les 3 unités du théâtre classique

L’action principale doit être développée du début à la fin, sans digressions inutiles.

1. Le naturalisme (1865-1880)

Le naturalisme vise à reproduire fidèlement la réalité sur scène. Le scénographe cherche à créer un décor extrêmement précis et détaillé, allant jusqu'à représenter des maisons entières et à inclure des meubles authentiques. Cette approche cherche à immerger le spectateur dans un environnement réaliste, renforçant l'illusion théâtrale.

• Objectif : rendre la scène aussi proche que possible de la vie réelle.
• Décors : très détaillés, réalistes, souvent des intérieurs bourgeois ou populaires.
• Jeu des acteurs : naturel, spontané, en accord avec le décor réaliste.
• Exemple : L’Assommoir d’après Émile Zola, adapté par William Busnach et Oscar Gastineau, illustre cette volonté de réalisme social.

2. Le symbolisme (fin XIXe siècle)

Le symbolisme s’oppose au naturalisme en privilégiant l’évocation plutôt que la reproduction fidèle. Il cherche à exprimer des idées, des émotions ou des états d’âme à travers des symboles, des formes et des couleurs plutôt que par la représentation réaliste.

• But : suggérer plutôt que montrer, créer une atmosphère mystérieuse et poétique.
• Décors : stylisés, souvent abstraits, chargés de symboles.
• Jeu des acteurs : stylisé, parfois ritualisé, pour renforcer l’aspect symbolique.
• Effets scéniques : utilisation de la lumière, du brouillard, des couleurs pour créer une ambiance.

3. Comparaison naturalisme vs symbolisme

Le naturalisme cherche à montrer la réalité sociale tandis que le symbolisme privilégie l’expression poétique et l’atmosphère mystérieuse.

4. Innovations techniques au XIXe siècle

• Électricité : introduite dans les théâtres, elle permet un éclairage plus précis et contrasté, renforçant l’ambiance des scènes.
• Scénographe : apparition d’un professionnel dédié à la conception des décors, distinct de l’architecte, avec une approche artistique propre.

Ces évolutions techniques et artistiques marquent la transition entre un théâtre classique et un théâtre moderne, où la scénographie devient un élément central de la mise en scène.

1. La scénographie moderne : réinvention de l'espace théâtral

La scénographie moderne marque une rupture avec la simple fonction décorative pour faire du décor un personnage à part entière. Elle vise à représenter la nature humaine avec une vérité scientifique, en analysant précisément les circonstances, milieux et aspects organiques.

2. Le symbolisme (1890-1896)

• Langue subtile : privilégie l'évocation par la métaphore et les correspondances plutôt que la description directe.
• Décor épuré : ne conserve que l'essentiel, chaque objet et parole porte un sens symbolique.
• Scène abstraite : l’espace scénique devient un lieu symbolique, non une reproduction fidèle du réel.
• Action symbolique : le drame s’éloigne du réalisme pour exprimer des idées et émotions profondes.

Le symbolisme interdit la représentation fidèle du réel.

Exemple : L’Annonce faite à Marie de Paul Claudel (décor de Jean Variot, 1912).

3. Du symbolisme à l’abstraction (XXe siècle)

• Dépouillement de la scène : conduit à une redécouverte de l’espace scénique comme lieu dynamique.
• Scénographie dynamique : au milieu du XXe siècle, la scénographie s’affirme comme une mise en mouvement de l’espace, opposée au décor statique traditionnel.

4. Réinvention du décor et de la salle

a) Edward Gordon Craig

• Propose de repenser le décor en tenant compte du volume du corps de l’acteur.
• Encourage la création de décors en 3 dimensions.
• Réinvente l’interaction entre la salle, les acteurs et les spectateurs.

b) Oskar Schlemmer et le Bauhaus

• Intègre la cohabitation entre espace abstrait et corps humain.
• Utilise la géométrie et des concepts épurés, annonciateurs du cubisme.
• Cherche à fusionner espace scénique et mouvement corporel dans une esthétique nouvelle.

5. Enjeux clés de la scénographie moderne

La scénographie moderne transforme l’espace théâtral en un lieu vivant, où chaque élément participe à la narration et à l’expérience du spectateur.

1. Walter Gropius et le théâtre total

• Walter Gropius (1883-1969) : architecte, urbaniste, fondateur du Bauhaus.
• Propose en 1927 un théâtre total qui rompt avec la séparation traditionnelle scène/salle.
• Utilise le principe d’une scène diffractée : les acteurs entourent le public, créant un encerclement immersif.
• Imagine une salle modulable où la scène peut être déplacée selon les besoins du spectacle.
• Objectif : transformer le spectateur en acteur, renouveler l’expérience théâtrale.

2. Adolphe Appia : la révolution scénographique

À retenir : Pour Appia, la scénographie doit accompagner le spectacle par des atmosphères et symboles, en mettant l’acteur au centre de l’espace.

3. Edward Gordon Craig (non détaillé dans la portion fournie)

• Mentionné comme un des deux pionniers avec Appia.
• Partage l’idée de décors symboliques et atmosphériques, loin de l’illusion naturaliste.

4. Synthèse

Ces innovations marquent la naissance de la scénographie moderne, centrée sur l’expression symbolique et la transformation de l’espace théâtral.

1. Avant-gardes constructivistes : rupture avec la scénographie traditionnelle

• Edward Gordon Craig (1872-1966) : acteur, metteur en scène et théoricien britannique, il révolutionne la scénographie en refusant la séparation traditionnelle entre scène et salle.
• Il définit le théâtre comme un art du mouvement dans un espace symbolique, fondé sur la rencontre géométrique des lignes, plans, jeux d’ombre, lumière et couleur.
• Craig invente les « screens », paravents mobiles permettant de créer des lieux variables à l’infini, rendant la scénographie mouvante et non figée.
• Il prône un théâtre du silence, où la scénographie visuelle remplace le texte pour stimuler l’imagination du spectateur.

2. Constructivisme et collaboration artistique

• Vsevolod Meyerhold (1874-1940), metteur en scène russe, collabore avec la plasticienne d’avant-garde Lioubov Popova (1889-1924).
• Leur spectacle Le Cocu magnifique (1922) marque un tournant : le décor est remplacé par une construction plastique, intégrant les principes du constructivisme.

3. Scénographie dans la deuxième moitié du XXe siècle

• La scénographie devient une mise en dynamique de l’espace théâtral, rompant avec le décor statique traditionnel.
• Elle s’inspire des techniques cinématographiques : cadrages, plans successifs, modulant l’expression entre une vision cadrée et une image totale hors cadre.
• Ce va-et-vient crée une tension entre abstraction et réalisme, enrichissant la perception scénique.
• Exemples :
  • Hamlet (Yannis Kokkos, 1983)
  • Électre de Sophocle (Yannis Kokkos, 1986)

4. Évolution du concept de scénographie

• Le terme « scénographie » évolue constamment, reflétant une remise en question permanente de la relation entre espace, mouvement et représentation.

À retenir : La scénographie moderne est un art dynamique qui dépasse le simple décor pour devenir un espace vivant, modulable, où se joue la rencontre entre abstraction et réalité.

1. Définition contemporaine de la scénographie

• La scénographie contemporaine est une écriture dans l’espace tridimensionnel, dépassant l’art pictural traditionnel de la toile.
• Elle intègre désormais d’autres domaines artistiques comme le cinéma et la télévision, élargissant ainsi son champ d’application.

2. Évolution au XXe siècle

• Le théâtre ne se limite plus au registre littéraire : l’accent est mis sur l’expérience de la représentation.
• La réflexion porte sur la relation entre dramaturgie et architecture, où l’espace est pensé comme une sculpture évolutive en lien avec la dramaturgie.
• L’espace scénique n’est plus en deux dimensions, mais en trois, dynamique et changeant.

3. Rôle renouvelé de la scénographie

• La scénographie est une recherche permanente de sens, visant à redéfinir :
  • La relation entre espace et dramaturgie.
  • La relation entre acteurs et spectateurs.

4. Exemple : Je disparais de Stephan Braunschweig (2012)

• Utilisation de trois espaces cloisonnés au sol et plafond pour créer une perspective infinie.
• Parois absentes mais suggérées par des rectangles au sol, délimitant l’espace.
• Blocs successifs enferment les personnages dans leur démence, tout en évoquant la possibilité d’évasion.
• Murs nus symbolisent une ouverture, un espace de liberté.
• L’acteur dispose d’une « boîte de jeu » immense, qu’il investit selon ses émotions et ambiances.
• Le comédien devient créateur de sa propre scénographie, expression unique de son ressenti.

La scénographie contemporaine est un dispositif spatial qui éclaire le sens de la mise en scène en créant un dialogue vivant entre espace, texte, acteurs et spectateurs.

1. La scénographie hors les murs

La scénographie hors les murs désigne la création scénique en dehors des structures théâtrales traditionnelles. Elle s’inscrit dans une démarche de décentralisation théâtrale visant à toucher un public plus large et diversifié, en remettant en question les formes classiques du théâtre.

• Objectif principal : libérer le spectacle des contraintes spatiales et sociales du théâtre conventionnel, notamment la place fixe du spectateur.
• Elle favorise une interaction plus directe et dynamique entre la scène et le public, valorisant la réaction du spectateur.

2. Exemples d’artistes et œuvres

3. Fonctions clés de la scénographie

La scénographie hors les murs est une utopie qui repense le théâtre comme un espace vivant, mobile et accessible, où le spectateur est acteur de l’expérience.