Histoire du son au cinéma

1. Le cinéma muet : un cinéma jamais vraiment muet

• Cinéma muet (XIXe - 1927) = absence de son enregistré synchronisé, mais pas de silence.
• Présence de bonimenteurs : narrateurs/commentateurs qui expliquent ou doublent les dialogues.
• Accompagnement musical indispensable : piano, petit orchestre, ou musique enregistrée (gramophone).
• Salles bruyantes et effets sonores (précédant les bruitages artificiels ou Foley) complètent l’expérience.

2. Les trois éléments du son au cinéma

• Voix
• Musique
• Bruit

3. Premières expérimentations sonores (avant 1927)

• Tentatives de synchronisation image/son avec le gramophone.
• Exemples :
  • Five o’clock Tea (1905)
  • Performances de chanteurs burlesques en playback.
• Kinétophone d’Edison (1913) : premier procédé permettant une qualité sonore suffisante pour dialogues et musique.

4. Codification de l’accompagnement musical (1910-1920)

• Catalogues musicaux pour pianistes accompagnant les films, visant à standardiser les musiques d’accompagnement tout en laissant une certaine liberté d’interprétation.

5. Films marquants avec compositions originales

• Naissance d’une nation (1915, D.W. Griffith)
• Potemkine (1925, Sergueï Eisenstein)

6. Attitude face au son au cinéma muet

• Même les opposants au cinéma parlant soutenaient la musique au cinéma.
• Exemple : Charlie Chaplin participait à la composition de ses musiques.
• La crainte portait surtout sur les voix et dialogues, non sur la musique.

7. Le tournant sonore (1927-fin années 1920)

• 1927 marque la fin du cinéma muet avec l’apparition du cinéma parlant.
• Développement des technologies de son synchronisé aux États-Unis, en URSS et en Allemagne.
• Premières tentatives de synchronisation image/son aboutissant à la généralisation du son au cinéma.

Le cinéma muet n’a jamais été muet : il reposait sur une combinaison d’accompagnements sonores vivants et d’effets pour enrichir la représentation.

1. Le tournant sonore au cinéma : chronologie et innovations clés

• 1919 : Tri Ergon (Allemagne), première technologie sonore expérimentale.
• 1923 : Introduction du sound on film aux États-Unis, où le son est enregistré directement sur la pellicule.
• 1925 : Développement du sound on disc aux États-Unis, où le son est enregistré sur un disque séparé.
• 1928 : Les grands studios américains adoptent le système Western Electric, compatible avec celui de la RKO.
• 1929 : Fondation de Tobis-Klangfilm en Allemagne, acteur majeur du son en Europe.
• 1930 : Division des marchés européens entre Western Electric, RCA (RKO) et Tobis.

2. Impact technique et industriel du son au cinéma

• Nécessité d’équiper les salles pour la diffusion des films sonores.
• Maîtrise du son : réduction des bruits parasites et amélioration de la précision de l’enregistrement.
• Contraintes sur l’image liées à la présence des micros :
  • Placement des micros hors champ visuel.
  • Réduction des mouvements de caméra pour éviter de filmer les micros.
  • Caméras enfermées dans des caissons pour limiter leur bruit.

3. Technologies sonores des studios majeurs

4. Innovations techniques facilitant le tournage sonore (1931-1932)

• Micros unidirectionnels : captent le son d’un seul côté, réduisant les bruits parasites.
• Pieds à micros légers : facilitent le placement discret des micros.
• Tables de mixage multi-pistes : permettent d’enregistrer plusieurs sources sonores séparément, rendant possible le tournage avec une seule caméra.

5. Conséquences sur le tournage et la production

• Le tournage devient un travail silencieux, sans intervention du public.
• L’équipe doit maîtriser le bruit sur le plateau.
• Le multi-caméra est la norme tant que le mixage sonore n’est pas maîtrisé.
• Avec l’apparition du mixage, le multi-caméra devient moins nécessaire.
• La maîtrise du son évolue vers des technologies de réduction de bruit (ex. Dolby).

À retenir : Le passage au cinéma sonore impose une révolution technique et artistique, avec une synchronisation rigoureuse image-son, des contraintes de tournage strictes et une maîtrise progressive du son grâce à des innovations techniques majeures.

1. Innovations techniques majeures au tournant des années 1930

Entre 1931 et 1932, trois inventions clés ont transformé la prise de son au cinéma, facilitant les mouvements de caméra et améliorant la qualité sonore :

Ces innovations ont permis de passer d’un son fixe à un son plus dynamique, notamment en autorisant des mouvements de caméra plus fluides tout en conservant une bonne qualité sonore.

Le cinéma sonore devient alors un cinéma « voco-centré », où la voix est mise en avant comme élément narratif principal (M. Chion).

2. Exemples historiques de l’utilisation du son

• The Loves of Robert Burns (1929) : tournage avec dialogues en prise directe.
• Blackmail (Hitchcock, 1929) : premier film sonore d’Hitchcock, utilisant un raccord sonore par le cri pour relier deux espaces narratifs distincts, un procédé innovant et réutilisé par la suite.

3. Évolution dans les années 1950 : bande magnétique et stéréophonie

Les années 1950 marquent une avancée importante avec le développement de la bande magnétique et de la stéréophonie, qui permettent :

• Réduction du bruit de fond : amélioration de la clarté sonore en éliminant les bruits parasites.
• Mixage multipistes en post-production : plus de flexibilité pour équilibrer les différentes sources sonores.
• Stéréophonie (spatialisation) : création d’un univers sonore en trois dimensions, avec des sons positionnés à gauche, à droite, en avant ou en arrière.

Ces technologies, bien que coûteuses, ouvrent la voie à une expérience sonore plus immersive et précise.

4. Synthèse des avancées techniques et leur impact

La maîtrise du son au cinéma repose sur la capacité à éliminer les bruits parasites et à organiser l’espace sonore, ce qui améliore la compréhension et l’impact narratif.

1. La stéréophonie au cinéma dans les années 1950

La stéréophonie désigne l'utilisation de plusieurs canaux sonores simultanés pour créer une spatialisation du son, améliorant ainsi l'expérience auditive au cinéma. Elle se développe aux États-Unis dans les années 50, avec des systèmes comme :

• Fantasia est un film expérimental en stéréophonie, mais son succès fut limité comparé à Blanche-Neige.
• La stéréophonie implique des films en multi-canaux, avec plusieurs pistes sonores diffusées simultanément.
• Au début des années 60, seulement 10% des salles étaient équipées pour la stéréophonie, malgré les efforts commencés dès les années 50.

2. Standardisation et mise en avant des technologies

• La stéréophonie est souvent associée à d'autres innovations comme l’écran panoramique (ex. Shane) et la 3D (ex. It Came from Outer Space).
• Ces technologies sont mises en avant pour différencier l'expérience en salle de celle à domicile, un phénomène comparable à la distinction actuelle entre cinéma, TV et streaming.
• Chaque film disposait souvent de deux versions : mono (pour la majorité des salles) et stéréo (pour les salles équipées).

3. Équipement et bande magnétique

• Le son multicanal nécessite un équipement spécifique, avec plusieurs haut-parleurs répartis dans la salle (ex. basses sur les côtés).

• La bande magnétique est un support clé pour l’enregistrement sonore, avec trois avantages majeurs :

  • Meilleure définition sonore : plus la bande est large, plus elle peut contenir d’informations.
  • Coût réduit par rapport aux technologies précédentes.
  • Facilitation du montage sonore, permettant des manipulations plus complexes.

• En 1957, la technologie Magoptical permettait d’enregistrer sur une même bande les versions mono et stéréo, facilitant la distribution aux salles.

La stéréophonie au cinéma a marqué une étape majeure en offrant une expérience sonore plus immersive, grâce à la multiplication des canaux et à l’usage de la bande magnétique pour un son de meilleure qualité.

1. Évolution du son au cinéma : du Dolby au numérique

a) Innovations techniques majeures (1920-1950)

• Western Electric 22c (années 1920) → Westrex RA-1424 (1954) : systèmes avec 4 à 6 entrées pour le son.
• 1951 : Nagra 1
  • Enregistreur portable sur bande magnétique, 4 kg, autonomie 5h.
  • Révolutionne les prises de son en documentaire et film à petit budget.
• Années 1950 : développement des consoles de mixage
  • Apparition des consoles pour la post-production.
  • Distinction entre mixer à l’enregistrement (tournage) et mixer en post-production.

b) Le système Dolby : réduction du bruit et amélioration sonore

• Ray Dolby invente le système Dolby dans les années 1970.
• Dolby Noise Reduction :
  • Réduit le bruit de fond sur la bande magnétique.
  • Libère de l’espace pour plus de signaux sonores, améliore la clarté.
  • Utilisé dès 1971 dans Orange Mécanique (Kubrick).
• Dolby Stereo :
  • Introduit en 1975 dans Lisztomania (Ken Russell).
  • Utilisé dans Star Wars (1977, George Lucas).
  • Nécessite l’équipement spécifique des salles de cinéma.
• Évolution vers le Dolby Surround :
  • Passage du 4.1 au 5.1 dans les années 1990.
  • Extension au 7.1 dans les années 2000.
  • Augmente la spatialisation et la présence sonore, notamment pour la musique.

c) Coordination image et son

• Le son stéréophonique est exploité pour renforcer l’immersion (exemple : panoramique d’un objet sonore de droite à gauche).
• Les choix de cadrage et composition visuelle sont pensés pour valoriser les effets sonores et la technologie Dolby.

Le système Dolby a transformé la qualité sonore au cinéma en réduisant le bruit de fond et en améliorant la spatialisation, ouvrant la voie au son numérique et immersif.

1. Évolution de la qualité sonore au cinéma

• Augmentation de la puissance et de la vélocité du son : amélioration de la précision sonore et extension du spectre des fréquences, notamment vers les infrasons (< 20 Hz), qui sont ressentis physiquement (ex : explosion dans Star Wars ressentie dans le ventre).
• Michel Chion (1993) souligne un gain important en bande passante aux extrêmes des fréquences (aigus et graves), permettant une transmission plus précise et détaillée des couleurs et harmoniques des instruments.
• Cette évolution permet une orchestration plus large, mêlant sons très graves et très aigus, à la fois massive et miniaturiste.

2. Conséquences techniques et artistiques

L’enrichissement des sens par la spatialisation sonore peut parfois saturer l’auditeur, ce qui n’est pas toujours souhaitable.

3. Outils numériques (années 1980-1990)

• Enregistreurs numériques portatifs : facilitent la captation sonore sur le terrain.
• Studios de mixage numériques : permettent un traitement sonore plus précis et flexible.
• Dolby Digital : technologie de compression sonore qui réduit les données en éliminant les fréquences inaudibles, optimisant ainsi la qualité perçue tout en économisant de l’espace de stockage.
• Compression MP3 : supprime certaines fréquences non perçues, mais une compression excessive peut détériorer la qualité sonore.

La compression sonore est un compromis entre qualité et quantité d’information, essentielle pour la diffusion moderne.

1. Le style classique de la musique de film

La musique de film classique repose sur un orchestre symphonique traditionnel, combinant souvent des thèmes mélodiques forts et reconnaissables. Elle vise à renforcer l’émotion, le rythme et la narration du film par une composition orchestrale soignée.

a) Caractéristiques principales

• Orchestration symphonique : utilisation d’instruments acoustiques classiques (cordes, bois, cuivres, percussions).
• Thèmes mémorables : mélodies claires et répétitives pour marquer les personnages ou situations.
• Fonction narrative : musique qui accompagne et souligne l’action, les émotions, ou l’atmosphère.
• Mixage traditionnel : enregistrement et diffusion en mono ou stéréo, avec une spatialisation naturelle des instruments.

b) Évolution avec les technologies numériques

• Instruments MIDI : échantillons numériques d’instruments réels, permettant de simuler un orchestre symphonique à moindre coût.
• Mixage hybride : combinaison d’instruments réels et MIDI pour plus de flexibilité et de précision (exemple : Hans Zimmer mélange violons réels et violons MIDI).
• Avantages :
  • Réduction des coûts de production.
  • Plus grande liberté créative et facilité de retouche.
  • Possibilité d’avoir un son orchestral même avec un petit budget.

c) Exemples marquants

d) Impact sur la création et la diffusion

• La musique classique de film a évolué avec l’intégration des technologies numériques, modifiant les pratiques de composition et de production.
• Le mixage et la diffusion bénéficient d’une meilleure précision et d’une plus grande diversité sonore.
• Le style classique reste une référence, mais il est souvent enrichi par des éléments électroniques ou numériques pour s’adapter aux contraintes modernes.

La musique de film classique allie orchestration symphonique et narration émotionnelle, tout en intégrant aujourd’hui les outils numériques pour plus de créativité et d’accessibilité.

1. L'éclatement musical des années 1950-1970

Dans les années 1950-1970, la musique de film connaît une diversification majeure, marquée par l'intégration de styles populaires comme le jazz et le rock, en rupture avec la domination classique symphonique.

2. Contexte avant l’éclatement

• Musique symphonique dominante dans les films, souvent extradiégétique (hors récit).
• Jazz et musiques populaires réservés à des usages spécifiques :
  • Musiques diégétiques (présentes dans l’univers du film).
  • Genres particuliers (ex. dessins animés).
• Peu de compositeurs classiques impliqués dans le cinéma, exception notable :
  Prokofieff (collaboration avec Eisenstein pour Ivan le Terrible).

3. Style classique (1930-1950)

• Exemple : Max Steiner, pionnier de la musique symphonique au cinéma.
• Intégration d’instruments ethniques chez certains réalisateurs (ex. Kurosawa avec instruments traditionnels japonais).

4. Éclatement musical : jazz et rock

• Le jazz et le rock marquent une rupture culturelle avec la musique classique, incarnant la modernité et la jeunesse.
• Ces styles sont souvent utilisés pour souligner des thèmes de rébellion, de fête ou d’émancipation.

À retenir :
L’éclatement musical des années 1950-1970 au cinéma correspond à l’intégration du jazz et du rock, qui viennent compléter et parfois supplanter la musique symphonique classique, reflétant les évolutions sociales et culturelles de l’époque.

1. Évolution de la musique au cinéma : du classique au contemporain

• Changement de paradigme : La musique au cinéma évolue en fonction du public visé et de sa fonction narrative.
• Musique contemporaine : Intègre des motifs avant-gardistes et la musique concrète, utilisant des sons non-instrumentaux.
• Musique électronique : Utilisée notamment dans la science-fiction pour représenter le futur, avec synthétiseurs, bruitages et sound design (ex. Forbidden Planet, Blade Runner, Orange mécanique).

2. Le « gros son » (1977 - aujourd’hui)

3. Sound Design au 21e siècle

• Fusion des sons d’orchestre symphonique, électriques et numériques.
• Difficulté à distinguer musique et bruit (ex. explosions intégrées à la bande son musicale).
• Risque de surcharge sonore.
• Continuité avec la période classique, mais avec une approche plus expérimentale et hybride.

4. Période classique et expérimentale (1960s)

À retenir : Le « gros son » révolutionne la musique au cinéma en lui donnant une présence physique et une richesse sonore inédite, tandis que la musique contemporaine mêle tradition et expérimentation pour créer des univers sonores hybrides et immersifs.