17. Histoire du Cinéma

1. Le cinéma des années 20 : une avant-garde en quête de renouveau

Le cinéma des années 20 est marqué par une première avant-garde, incarnée par des figures majeures comme Marcel L’Herbier et René Clair. Ces artistes veulent créer un cinéma neuf, où le langage visuel prime souvent sur le récit.

a) Caractéristiques principales du cinéma des années 20

• Langage visuel privilégié : importance des cadrages, mouvements de caméra, rythmes et jeux de lumière.
• Exploration formelle : les cinéastes impressionnistes expérimentent les possibilités expressives du film.
• Sujet secondaire : le contenu narratif est parfois relégué au second plan au profit de l’esthétique.

b) Innovations techniques et évolutions majeures

c) Les grands diffuseurs de l’époque

• Gaumont
• Pathé

Ces deux sociétés dominent la production et la diffusion cinématographique dans les années 20.

Le cinéma des années 20 est une avant-garde qui privilégie le langage visuel pour renouveler l’art cinématographique, avant les grandes révolutions techniques du son et de la couleur.

1. Transition vers le cinéma sonore et nouvelles techniques

a) Contexte et évolution stylistique

• Adaptation littéraire non théâtralisée : apparition de scénarios écrits spécifiquement pour le grand écran, intégrant des dialogues, marquant une rupture avec le cinéma muet traditionnel.
• Le passage au cinéma sonore modifie profondément les techniques de mise en scène et de montage.

b) Œuvres et réalisateurs clés

c) Techniques nouvelles liées au passage au sonore

• Montage : plus rapide et plus coupé pour accompagner le rythme des dialogues.
• Caméra : moins mobile, adaptation aux contraintes techniques du son.
• Mise en scène : évolution vers une écriture plus dialoguée, moins centrée sur le geste et l’image seule.
• Poésie visuelle : encore présente dans certains films muets tardifs, mais progressivement remplacée par une narration sonore.

À retenir : La transition vers le cinéma sonore a transformé les techniques de montage et de mise en scène, imposant une nouvelle écriture cinématographique centrée sur le dialogue et le rythme sonore.

1. Cinéma et surréalisme dans les années 30-40

• L'Âge d’or (film surréaliste) est tourné dans les studios de Boulogne, liés à l’histoire de Pathé. Il marque une transition entre décors en studio et tournage en extérieur.
• Marcel Ernst, artiste surréaliste, joue un rôle principal dans ce film.
• Thèmes : une relation amoureuse intense mais éphémère, remise en cause des normes familiales, romantiques et religieuses.
• Le film est financé par Charles et Marie-Laure de Noailles, ce qui souligne l’importance du mécénat dans le cinéma d’avant-garde.
• Bien qu’important pour l’histoire du cinéma, L'Âge d’or n’a pas rencontré un grand succès commercial.

2. Innovations techniques et adaptations littéraires

• Fritz Lang est un pionnier des techniques de montage et de tournage, notamment dans le genre de la science-fiction.
• Il adapte le roman Metropolis de Thea von Harbou (1925-27), un classique du cinéma expressionniste.
• Metropolis illustre l’intégration de la littérature dans le cinéma, avec une forte dimension visuelle et technique.

L'Âge d’or incarne la fusion du surréalisme et du cinéma, bouleversant les normes sociales et esthétiques, tandis que Fritz Lang révolutionne le cinéma par ses innovations techniques et ses adaptations littéraires.

1. Marcel Carné et le réalisme poétique français

Marcel Carné est une figure majeure du cinéma français des années 1930-1940, notamment à travers son œuvre emblématique Le Quai des brumes (1938). Ce film illustre parfaitement le courant du réalisme poétique, caractérisé par une atmosphère mélancolique, des personnages marginaux et un fatalisme romantique.

2. Contexte et influences

• Le cinéma des années 30-40 est fortement influencé par la littérature et l'exotisme.
• Adaptations fréquentes de romans, comme Picpus de Georges Simenon, qui permettent d'explorer des figures emblématiques et des atmosphères particulières.
• Exemples d'exotisme : La Bandera (1935) de Julien Duvivier, qui met en scène un exotisme espagnol et colonial, mêlant réel et imaginaire.

3. Réalisme poétique : définition et caractéristiques

4. Marcel Carné et Le Quai des brumes

• Le Quai des brumes est un exemple phare du réalisme poétique.
• Le film met en scène des personnages en marge de la société, dans un décor portuaire brumeux, symbolisant l’évasion impossible.
• L’œuvre illustre la fatalité et la poésie du quotidien, avec une esthétique visuelle marquée par l’ombre et la lumière.

À retenir : Le réalisme poétique, incarné par Marcel Carné, mêle une esthétique mélancolique à des récits tragiques de personnages marginaux, souvent inspirés de la littérature populaire.

1. Jean Renoir et le cinéma français de résistance

a) Contexte technique et artistique du cinéma français avant-guerre

• Les films comme Le Quai des brumes (1938) avec Jean Gabin et Michèle Morgan sont tournés principalement en studio, même pour les scènes extérieures, car cela facilite la prise de son.
• Dans Hôtel du Nord (1938), la bande son et l’image ne sont pas enregistrées simultanément, ce qui justifie aussi le recours au studio.
• Les Enfants du paradis (1945) de Marcel Carné marque un changement d’ambiance, reflétant la dépression américaine des années 30 en Europe, avec un besoin de folie et de contraste pour répondre à la réalité sociale.

b) Jean Renoir : parcours et œuvres majeures

• Fils du peintre Pierre-Auguste Renoir, Jean Renoir débute en France avec La Partie de campagne (1936), son premier succès, adaptation d’un texte de Maupassant.
• En 1939, il réalise La Règle du jeu, film tourné dans un contexte de veille de Seconde Guerre mondiale. Ce film est un échec total à sa sortie, malgré sa postérité critique.

À retenir : Jean Renoir incarne un cinéma engagé et réaliste, tourné vers la critique sociale, mais confronté aux contraintes techniques et politiques de son époque.

1. Charlie Chaplin et le cinéma engagé

Charlie Chaplin est une figure emblématique du cinéma engagé, utilisant son art pour dénoncer les injustices sociales et politiques de son époque. Son œuvre mêle humour et critique sociale, rendant ses messages accessibles tout en percutants.

a) Engagement social et politique dans ses films

• Chaplin critique l'industrialisation, la pauvreté et les inégalités sociales.
• Il dénonce la montée du fascisme et les dangers de la guerre.
• Son cinéma est un moyen de sensibiliser le public aux problèmes sociaux tout en divertissant.

b) Œuvres majeures engagées

c) Style et impact

• Utilisation du burlesque et du mime pour toucher un large public.
• Mélange de comédie et de drame pour renforcer le message.
• Influence durable sur le cinéma engagé et les cinéastes postérieurs.

À retenir : Charlie Chaplin a su faire du cinéma un outil puissant de critique sociale et politique, mêlant humour et engagement pour dénoncer les travers de son époque.

1. Charlie Chaplin et l'autonomie artistique

• Chaplin obtient ses propres studios pour produire et financer librement ses films.
• En 1931, il finance Les Lumières de la ville, un film qui ne rencontre pas immédiatement le succès commercial mais est salué pour son innovation artistique.
• La rediffusion ultérieure de ses films lui assure un public fidèle, lui permettant de financer ses projets suivants.

2. Le Dictateur (1940) : engagement et satire

• Chaplin réalise Le Dictateur en 1940, en réaction à la montée des extrêmes en Europe.
• Le film mêle réalisme social, poésie et satire politique, incarnée par un personnage principal clairement inspiré d’Hitler.
• Cette œuvre illustre la volonté de Chaplin de ne pas ignorer la réalité politique vécue par les spectateurs.

3. Innovations narratives dans le cinéma américain des années 40

• Les années 40 voient coexister deux tendances majeures :
  • Des films poétiques et de divertissement, répondant à un besoin d’évasion.
  • Des films à dimension plus formelle et engagée, intégrant des réalités sociales et politiques.

Le cinéma des années 40 combine divertissement et engagement, reflétant les tensions de son époque à travers des innovations narratives marquantes.

1. Cinéma d'actualité et reconstruction

Le cinéma des années 40, notamment américain, intègre des techniques narratives innovantes comme le flash-back, illustré par Citizen Kane (1941) d'Orson Welles. Ce procédé structure le récit en revenant sur des événements passés pour enrichir la compréhension du présent.

Un autre exemple marquant est It’s a Wonderful Life, qui connaît un succès international. Ce film utilise la période de Noël pour transmettre un message d'espoir et de rédemption familiale.

a) Cinéma d'actualité et reconstruction

Pendant la guerre et l'après-guerre, le cinéma s'oriente vers des films d'actualité, délaissant temporairement les adaptations littéraires. Le ministère de la reconstruction utilise le cinéma pour informer les sinistrés, avec des films comme Caen relève ses ruines.

• Ce type de film ne se limite pas à montrer des images documentaires.
• Il met en scène la destruction et la reconstruction en utilisant les codes du cinéma de divertissement.
• Cette approche mêle information et mise en scène dramatique pour sensibiliser le public.

b) Évolution des dessins animés

Les dessins animés adoptent également ces codes narratifs, devenant plus longs et poétiques.

• Exemple : Bonjour Paris (1952) de Jean Image, qui illustre cette évolution.
• Ces œuvres combinent animation et poésie visuelle pour capter l’attention et transmettre des messages plus profonds.

Le cinéma d’actualité de l’après-guerre mêle information et spectacle pour accompagner la reconstruction morale et matérielle.

1. Évolution du cinéma d'animation : des débuts aux années 1940

Le cinéma d'animation s'est développé en intégrant des références artistiques et culturelles fortes, notamment à travers les œuvres de Disney.

a) Exemples marquants

• Blanche Neige et les Sept Nains (1937)
  Premier long-métrage d'animation de Disney, il illustre la reprise des codes des beaux-arts. Par exemple, la méchante sorcière s'inspire d'une statue de la Cathédrale de Nuremberg.
  Le travail est organisé avec des plans détaillés des personnages pour chaque scène, permettant à plusieurs artistes de collaborer efficacement.

• Fantasia (1940)
  Film d'animation musical mettant en scène un orchestre symphonique (Philadelphie) jouant des morceaux classiques.
  Ce film montre l'ambition artistique du cinéma d'animation, mêlant musique et images animées pour créer une expérience immersive.

b) Le cinéma d'animation dans la société

• Dans les années 1940, le cinéma d'animation gagne en importance et en reconnaissance.
• Les artistes d'animation deviennent des figures culturelles influentes, reflétant et suivant les évolutions sociales.

Le cinéma d'animation des années 1930-40 s'affirme comme un art majeur, combinant techniques artistiques traditionnelles et innovations techniques pour toucher un large public.