Art déco et Peinture du XXe siècle

1. L'Art déco : définition et contexte

L'Art déco est un mouvement artistique et décoratif majeur du début du XXe siècle, qui s'étend principalement des années 1910 aux années 1930. Il se caractérise par une esthétique moderne, élégante et luxueuse, mêlant des formes géométriques, des matériaux innovants et un savoir-faire artisanal.

2. Caractéristiques principales de l'Art déco

• Modernité et luxe : l'Art déco valorise la modernité tout en conservant un goût pour le raffinement et l'élégance.
• Formes géométriques : lignes droites, angles aigus, motifs stylisés.
• Matériaux variés : utilisation de laque, verre, métal, bois précieux, et matériaux industriels.
• Influences multiples : inspiration des arts décoratifs japonais (ex. laque de Chine), égyptiens, africains, et des avant-gardes européennes.

3. Chronologie et évolution

4. Exemples emblématiques

• Eileen Gray et Seizo Sugawara, Le Magicien de la nuit (vers 1913) : panneau en laque de Chine, illustrant l'influence asiatique et la maîtrise technique.
• Raoul Dufy, La rue pavoisée (1906) : œuvre annonciatrice des couleurs vives et du dynamisme qui nourriront l'Art déco.

L'Art déco incarne une modernité plurielle, où tradition artisanale et innovations techniques cohabitent pour créer un style à la fois fonctionnel et décoratif.

1. La peinture décorative dans l'Art déco

La peinture décorative est une composante essentielle de l'Art déco, mouvement artistique qui vise à allier esthétique et fonctionnalité dans les arts appliqués. Elle se caractérise par :

• L'utilisation de formes stylisées et géométriques.
• Une palette de couleurs souvent vives et contrastées.
• L'intégration dans des objets du quotidien (textiles, meubles, tapisseries).

a) Exemples emblématiques

• Raoul Dufy : ses dessins textiles, comme Cornets d'arums et fleurs sur fond bleu (1919), illustrent la fusion entre peinture et design textile, avec des motifs floraux stylisés et une utilisation de la gouache sur papier.
• Francis Jourdain : œuvre comme Les Trois Grâces (1909) montre une approche décorative à l'huile sur toile, mêlant figures classiques et modernité stylistique.

2. L'Art déco et les arts décoratifs

L'Art déco, apparu dans les années 1910-1920, se distingue par :

a) Exemple de mobilier Art déco

• Louis Süe : canapé en bois doré (modèle de 1913 présenté en 1925), avec tapisseries d'après cartons de Charles Dufresne, tissées à Aubusson. Ce mobilier illustre la richesse des matériaux et la collaboration entre peintres et artisans.

L'Art déco valorise la peinture décorative comme un art total, où la beauté s'allie à la fonctionnalité dans un style moderne et raffiné.

1. Raoul Dufy

• Raoul Dufy (1877-1953) est un peintre majeur de l'Art déco, reconnu pour son style lumineux et décoratif.
• Son œuvre se caractérise par des couleurs vives, des formes fluides et une atmosphère joyeuse, souvent inspirée par la vie moderne et les loisirs.
• Dufy a su intégrer la peinture dans des projets décoratifs, notamment des tapisseries, des fresques murales et des illustrations, contribuant ainsi à l’esthétique globale de l’Art déco.
• Il a participé à des événements clés comme l’Exposition internationale des Arts décoratifs et industriels modernes de 1925, où son travail a été mis en valeur dans des espaces décorés.

2. Francis Jourdain

• Francis Jourdain (1876-1958) est un autre peintre et décorateur important de l’Art déco, également engagé dans la promotion d’un art total mêlant peinture, architecture et design.
• Il est connu pour ses peintures décoratives, souvent réalisées en collaboration avec des architectes et artisans, intégrées dans des intérieurs modernes.
• Jourdain a défendu un art accessible et fonctionnel, en phase avec les innovations techniques et les besoins de la société contemporaine.
• Il a participé à la décoration de lieux prestigieux, notamment lors de l’Exposition internationale de 1925, où il a contribué à des aménagements d’espaces publics et privés.

3. Points communs et contributions à l’Art déco

À retenir : Raoul Dufy et Francis Jourdain incarnent l’esprit de l’Art déco en alliant peinture et décoration, contribuant à un art moderne, décoratif et intégré aux espaces de vie.

1. Louis Süe, André Mare et la Compagnie des Arts français

Louis Süe et André Mare sont des figures majeures de l'Art déco, fondateurs en 1919 de la Compagnie des Arts français, un collectif d'artistes et d'artisans visant à renouveler les arts décoratifs par une approche intégrée et moderne.

a) La Compagnie des Arts français : principes et objectifs

• Fusion des arts décoratifs et de l'architecture : création d'ensembles harmonieux mêlant mobilier, peinture, tapisserie, et architecture intérieure.
• Style Art déco : lignes géométriques, motifs stylisés, matériaux nobles et modernes (bois laqué, métal, verre).
• Production collective : collaboration étroite entre peintres, sculpteurs, décorateurs, et artisans pour un art total.

b) Contributions artistiques majeures

c) Exemples d’œuvres et réalisations

• Peintures décoratives de Gustave-Louis Jaulmes (vers 1932) à l’Hôtel de Ville d’Arras : fresques murales dans la salle des mariages, intégrant motifs décoratifs et symboliques dans un cadre officiel.
• Forêt tropicale de Charles Dufresne (1919) : huile sur toile mêlant naturalisme et stylisation décorative, illustrant la diversité des approches au sein du mouvement.

La Compagnie des Arts français incarne l’esprit de l’Art déco en combinant modernité, artisanat et unité esthétique dans les arts décoratifs.

2. Points clés à retenir

• Louis Süe et André Mare sont les initiateurs d’une démarche collective et intégrée dans les arts décoratifs.
• La Compagnie des Arts français promeut un art total, mêlant architecture, mobilier et peinture décorative.
• Le style Art déco se caractérise par la géométrie, l’élégance et l’usage de matériaux modernes.
• Les œuvres de Gustave-Louis Jaulmes et Charles Dufresne illustrent la diversité et la richesse du mouvement.

1. Gustave-Louis Jaulmes et la peinture murale décorative

Gustave-Louis Jaulmes est une figure majeure de la peinture murale décorative dans le mouvement Art déco. Son travail se caractérise par une intégration harmonieuse entre architecture et peinture, visant à créer un décor total.

a) Caractéristiques de la peinture murale décorative chez Jaulmes

• Fonction décorative et narrative : les fresques de Jaulmes racontent souvent une histoire ou illustrent un thème symbolique, tout en s’intégrant dans l’espace architectural.
• Techniques variées : il utilise la fresque, la peinture à la détrempe et parfois la mosaïque, adaptées aux surfaces murales.
• Style : un équilibre entre stylisation géométrique et naturalisme, avec des formes simplifiées et des couleurs harmonieuses typiques de l’Art déco.
• Thèmes : souvent inspirés par la mythologie, l’histoire, la nature ou la vie quotidienne, reflétant un univers à la fois moderne et classique.

b) Importance dans l’Art déco

c) Exemples notables

• Décorations murales pour des bâtiments publics et privés, souvent en collaboration avec d’autres artistes et artisans.
• Œuvres exposées lors d’événements majeurs comme l’Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes (1925).

La peinture murale décorative de Gustave-Louis Jaulmes incarne l’esprit de l’Art déco en alliant fonction, esthétique et innovation technique dans un dialogue étroit avec l’architecture.

1. Charles Dufresne et la décoration intérieure

Charles Dufresne est un artiste majeur du début du XXe siècle, reconnu pour son apport à la décoration intérieure dans le contexte de l’Art déco. Son travail illustre la fusion entre peinture et arts décoratifs, caractéristique de cette période.

a) Caractéristiques principales de son œuvre décorative

• Intégration artistique : Dufresne conçoit ses œuvres non seulement comme des tableaux mais comme des éléments intégrés à l’espace architectural, participant à l’harmonie globale des intérieurs.
• Motifs stylisés : Il utilise des formes géométriques et des motifs stylisés, typiques de l’Art déco, qui allient modernité et élégance.
• Palette chromatique : Sa palette est souvent riche et contrastée, avec des couleurs vives qui dynamisent les espaces décorés.
• Techniques variées : Il emploie différentes techniques, notamment la peinture murale, la fresque, et le panneau décoratif, pour s’adapter aux supports et aux volumes architecturaux.

b) Rôle dans l’Art déco

• Décoration intérieure comme art total : Dufresne incarne l’idée d’un art total où la peinture s’inscrit dans un projet décoratif global, en lien avec le mobilier, les textiles et l’architecture.
• Collaboration avec des architectes et décorateurs : Il travaille souvent en collaboration avec des professionnels du design d’intérieur, renforçant ainsi la cohérence esthétique des lieux.

c) Impact et héritage

• Modernisation de la peinture décorative : Son approche contribue à renouveler la peinture décorative, en la rendant plus contemporaine et adaptée aux nouveaux espaces urbains.
• Influence sur la décoration intérieure : Son œuvre inspire les créateurs d’intérieur et participe à la diffusion du style Art déco dans les milieux bourgeois et artistiques.

À retenir : Charles Dufresne illustre la fusion entre peinture et décoration intérieure dans l’Art déco, en intégrant ses œuvres dans un projet global d’harmonie architecturale et décorative.

1. Marie Laurencin : une esthétique de la grâce féminine

• Marie Laurencin (1883-1956) est une peintre française emblématique du début du XXe siècle, associée au mouvement cubiste mais développant un style très personnel centré sur la représentation de la femme.
• Son œuvre se caractérise par une douceur, une délicatesse et une grâce féminine qui contrastent avec la rigueur géométrique du cubisme traditionnel.
• Laurencin privilégie des formes arrondies, des contours flous et des couleurs pastel (roses, bleus, gris clairs) pour évoquer la féminité et la poésie.
• Ses portraits féminins sont souvent empreints d’une atmosphère onirique, presque éthérée, où les figures semblent flotter dans un espace indéfini.

2. Thèmes et motifs récurrents

3. Style et techniques

• Utilisation de couleurs claires et pastel pour renforcer la légèreté et la douceur.
• Contours flous et formes arrondies pour adoucir les figures et créer une impression de fluidité.
• Composition souvent centrée sur la figure féminine, avec peu d’éléments de décor, pour focaliser l’attention sur la grâce et l’expression.
• Influence du cubisme visible dans la simplification des formes, mais Laurencin s’en éloigne par une approche plus lyrique et moins géométrique.

4. Importance dans l’art du XXe siècle

• Laurencin incarne une vision féminine et poétique dans un contexte artistique dominé par des avant-gardes souvent masculines et plus radicales.
• Son œuvre offre une alternative sensible et élégante à la modernité, valorisant la féminité non pas comme objet mais comme sujet à part entière.
• Elle a influencé la représentation de la femme dans l’art moderne, ouvrant la voie à une esthétique plus douce et introspective.

À retenir : Marie Laurencin exprime la grâce féminine par un style doux, pastel et onirique, mêlant influences cubistes et poésie visuelle.

1. Tamara de Lempicka : figure emblématique du style moderne

Tamara de Lempicka (1898-1980) est une artiste polonaise naturalisée française, icône de l’Art déco et du style moderne dans la peinture du XXe siècle. Son œuvre se caractérise par une fusion entre modernité, élégance et sophistication, incarnant l’esprit des années 1920-1930.

2. Caractéristiques du style moderne chez Lempicka

• Lignes géométriques et formes épurées : ses compositions privilégient la clarté des volumes et la stylisation des formes, inspirées par le cubisme et l’art déco.
• Palette chromatique : usage de couleurs vives et contrastées, souvent froides, qui renforcent l’effet de sculpture sur la toile.
• Portraits et figures féminines : ses sujets sont souvent des femmes élégantes, sensuelles, représentées avec un certain détachement et une aura de mystère.
• Influence du classicisme : malgré la modernité, ses œuvres conservent une rigueur classique dans la composition et la pose, rappelant les portraits de la Renaissance.

3. Contexte artistique et environnement

• Atelier parisien : l’appartement-atelier de Tamara, situé rue Méchain à Paris vers 1930, reflète son goût pour le design moderne et l’aménagement fonctionnel, en harmonie avec son style pictural.
• Exposition internationale de 1925 : événement clé pour la diffusion de l’Art déco, où des artistes comme Jean Dupas exposaient des œuvres décoratives et modernes, témoignant de la vitalité artistique de l’époque.

4. Comparaison avec Jean Dupas

À retenir : Tamara de Lempicka incarne le style moderne par sa synthèse unique entre modernité géométrique et élégance classique, faisant d’elle une figure majeure de l’Art déco dans la peinture du XXe siècle.

1. Jean Dupas et la décoration monumentale

Jean Dupas (1882-1964) est une figure majeure de la peinture décorative du XXe siècle, particulièrement reconnu pour ses œuvres monumentales intégrées à l’architecture.

a) Caractéristiques de son style décoratif

• Composition grandiose et harmonieuse : Dupas privilégie des formats vastes, adaptés aux espaces publics et institutionnels.
• Influence Art déco : lignes épurées, stylisation élégante des formes, et une palette souvent riche mais maîtrisée.
• Thèmes classiques et mythologiques : il puise dans l’histoire, la mythologie et l’allégorie pour créer des décors symboliques et intemporels.
• Technique : maîtrise de la peinture à l’huile sur grands supports (toile, papier collé sur carton), adaptée à la décoration murale.

b) Œuvres emblématiques

• Décorations pour bâtiments publics : Dupas réalise des fresques et panneaux décoratifs pour des lieux comme les mairies, musées, et salles de fêtes.
• Exemple notable : la décoration de la salle des fêtes de la mairie annexe du XIVe arrondissement à Paris, où il intègre ses compositions dans l’architecture pour créer une ambiance solennelle et esthétique.

c) Importance dans l’art monumental

• Dupas contribue à la redéfinition de la peinture murale au XXe siècle, en conciliant tradition et modernité.
• Son travail illustre la volonté de l’Art déco de valoriser l’art décoratif dans les espaces publics, en rendant la peinture accessible et intégrée à la vie quotidienne.

À retenir : Jean Dupas incarne l’Art déco monumental par ses compositions harmonieuses, ses thèmes classiques revisités et son intégration parfaite dans l’architecture publique.

1. Robert Pougheon et Jean Despujols : décorateurs publics

Robert Pougheon et Jean Despujols sont deux artistes majeurs de la décoration publique dans l’entre-deux-guerres, particulièrement actifs dans les projets municipaux à Paris.

a) Robert Pougheon

• Spécialisé dans la décoration murale, il a réalisé des fresques pour la salle des fêtes de la mairie annexe du XIVe arrondissement à Paris.
• Son travail illustre un style Art déco sobre, intégrant des motifs géométriques et des figures stylisées.
• Ses fresques participent à la valorisation des espaces publics en mêlant esthétique et fonction sociale.

b) Jean Despujols

• Connu pour ses décors muraux dans les bâtiments publics, notamment la décoration de la salle des fêtes de la mairie annexe du XIVe arrondissement.
• Son style combine réalisme et stylisation, avec une attention portée à la narration visuelle et à l’intégration dans l’architecture.
• Il contribue à créer une atmosphère solennelle et conviviale, adaptée aux usages civiques.

c) Contexte et importance

• Ces décorations s’inscrivent dans une volonté des municipalités d’embellir les lieux publics, en particulier les mairies annexes, symboles de la démocratie locale.
• Le travail de Pougheon et Despujols illustre l’engagement des artistes dans la commande publique durant l’entre-deux-guerres, mêlant art et service à la collectivité.
• Leur collaboration avec des sculpteurs comme Raymond Delamarre (auteur de La Pensée et L'Action, vers 1934) montre une approche pluridisciplinaire de la décoration publique.

Les décorateurs publics comme Pougheon et Despujols incarnent l’alliance entre art et fonction civique dans l’architecture municipale des années 1930.

1. Sculpture et Art déco : caractéristiques essentielles

L'Art déco, mouvement artistique des années 1910-1930, se manifeste en sculpture par une synthèse entre modernité et tradition, privilégiant l'élégance, la géométrie et le raffinement des matériaux.

a) Matériaux et techniques

• Chryséléphantine : technique combinant bronze et ivoire, utilisée pour créer des sculptures fines et détaillées, très prisée dans l'Art déco.
• Usage fréquent du bronze doré, conférant une allure luxueuse et brillante aux œuvres.

b) Style et esthétique

• Formes géométriques et stylisées, souvent inspirées par les arts anciens (Égypte, Grèce) et les arts décoratifs.
• Figures élancées, dynamiques, souvent féminines, incarnant la grâce et la modernité.
• Accent sur la légèreté visuelle et la fluidité des lignes.

c) Artistes emblématiques

L'Art déco en sculpture allie modernité et tradition par des formes stylisées, des matériaux nobles et une représentation élégante du corps humain, souvent féminin.

1. Sculpture chryséléphantine

• Définition : Sculpture combinant ivoire (éléments blancs, peau) et bronze doré (vêtements, accessoires), technique héritée de l’Antiquité grecque.
• Période Art déco : Popularisée dans les années 1920-1930, notamment par des artistes comme Claire Colinet.
• Caractéristiques :
  • Réalisme et finesse des détails grâce à l’ivoire.
  • Contraste des matériaux (ivoire + bronze polychrome ou doré).
  • Souvent des figures féminines élégantes, dansantes ou exotiques.
• Exemple notable : La danseuse d'Ankara de Claire Colinet, alliant bronze à patine dorée et ivoire polychrome, illustrant la grâce et la richesse des textures.

2. Bronzes décoratifs

• Définition : Sculptures en bronze, souvent de petite à moyenne taille, destinées à la décoration intérieure.
• Techniques :
  • Fonte à la cire perdue, permettant des détails précis.
  • Patines variées (dorée, verte, noire) pour effets esthétiques.
• Artistes clés : Antoine Bourdelle, célèbre pour ses bronzes expressifs et monumentaux.
• Caractéristiques des bronzes décoratifs Art déco :
  • Stylisation des formes, simplification des volumes.
  • Thèmes mythologiques, animaliers ou humains.
  • Usage fréquent de la dorure pour souligner le relief.
• Exemple : Héraklès tuant les oiseaux du lac Stymphale d’Antoine Bourdelle (1909), bronze doré, allie puissance narrative et maîtrise technique.

La sculpture chryséléphantine est caractérisée par l’association raffinée de l’ivoire et du bronze, créant un contraste de textures et de couleurs, tandis que les bronzes décoratifs privilégient la stylisation et la richesse des patines pour l’ornement.

1. Antoine Bourdelle et la sculpture monumentale

Antoine Bourdelle est une figure majeure de la sculpture monumentale au début du XXe siècle, mêlant tradition classique et modernité.

a) Œuvres emblématiques

• Héraklès tuant les oiseaux du lac Stymphale (1909)

  • Statue en bronze doré, exposée au musée d'Orsay, Paris.
  • Représente un héros mythologique dans un mouvement puissant et dynamique, illustrant la force et la tension musculaire.

• La Danse (1913)

  • Bas-relief réalisé pour le Théâtre des Champs-Élysées, Paris.
  • Intègre la sculpture monumentale dans un contexte architectural moderne, en collaboration avec des architectes comme Auguste Perret et Henry Van de Velde.

b) Caractéristiques de la sculpture monumentale de Bourdelle

c) Contexte architectural

• Le Théâtre des Champs-Élysées (1913) est un exemple clé où Bourdelle collabore avec Auguste Perret (architecture) et Henry Van de Velde (design).
• Ses reliefs participent à l’harmonie entre sculpture et architecture, incarnant l’esprit Art déco.

À retenir : Antoine Bourdelle renouvelle la sculpture monumentale en alliant puissance classique et modernité expressive, intégrant ses œuvres dans des projets architecturaux emblématiques du début du XXe siècle.

1. Alfred Janniot et les bas-reliefs architecturaux

Alfred Janniot est un sculpteur majeur de l’Art déco, reconnu pour ses bas-reliefs architecturaux intégrés dans des bâtiments publics, alliant modernité et tradition classique.

a) Œuvres emblématiques

• Le Printemps ou Hommage à Jean Goujon (vers 1924-1925)

  • Bas-relief en pierre calcaire, exposé au Museu Calouste Gulbenkian à Lisbonne.
  • Illustre la célébration de la nature et du renouveau, dans un style fluide et stylisé caractéristique de l’Art déco.

• Bas-reliefs du Palais des Colonies (actuel Palais de la Porte Dorée), Paris, 1931

  • Œuvre monumentale intégrée à l’architecture du bâtiment.
  • Représente des scènes symboliques liées à la colonisation et à l’exotisme, avec un traitement géométrique et dynamique des formes.
  • Exemple typique de la fusion entre sculpture et architecture dans l’Art déco.

• Contribution au Palais de Tokyo, Paris, 1937

  • Collaboration avec d’autres artistes (Jean-Claude Dondel, André Aubert, Paul Viard, Marcel Dastugue).
  • Intégration de sculptures et bas-reliefs dans un ensemble architectural moderne, soulignant la cohérence stylistique et la monumentalité.

b) Caractéristiques des bas-reliefs de Janniot

Les bas-reliefs d’Alfred Janniot incarnent l’alliance réussie entre sculpture et architecture, caractéristique de l’Art déco, où la décoration devient un élément structurant du bâtiment.

c) Importance dans l’Art déco

• Janniot illustre la tendance des années 1920-1930 à intégrer la sculpture dans l’architecture, dépassant la simple ornementation pour créer des œuvres monumentales et symboliques.
• Ses bas-reliefs participent à la valorisation des espaces publics et à la diffusion d’un art moderne accessible et lisible.
• Son travail influence la manière dont la sculpture est pensée dans le cadre architectural, favorisant la cohérence stylistique et la monumentalité.

Cette synthèse permet de retenir l’essentiel sur Alfred Janniot : sculpteur Art déco, maître du bas-relief architectural, avec des œuvres majeures au Palais de la Porte Dorée et au Museu Calouste Gulbenkian, alliant stylisation géométrique et symbolisme.

1. Paul Landowski et la sculpture publique

Paul Landowski (1875-1961) est un sculpteur français majeur du XXe siècle, reconnu pour ses œuvres monumentales destinées à l’espace public. Son travail allie un style classique à une modernité sobre, privilégiant la monumentalité et la lisibilité des formes.

a) Œuvres emblématiques

b) Caractéristiques de la sculpture publique de Landowski

• Monumentalité : œuvres de grande taille, destinées à marquer l’espace urbain ou naturel.
• Symbolisme : figures souvent allégoriques ou religieuses, porteurs de messages universels (paix, héroïsme, foi).
• Matériaux durables : pierre, béton armé, adaptés à l’exposition extérieure.
• Intégration architecturale : certaines œuvres sont conçues pour dialoguer avec leur environnement (ex. Palais de Tokyo).

c) Contexte artistique et influence

• Landowski s’inscrit dans la tradition classique tout en répondant aux exigences modernes du XXe siècle.
• Son œuvre illustre la volonté d’affirmer une identité nationale et universelle à travers la sculpture publique.
• Il collabore parfois avec d’autres artistes ou architectes, comme les frères Martel, pour des projets intégrés.

À retenir : Paul Landowski est un maître de la sculpture monumentale publique, alliant classicisme et modernité pour créer des œuvres symboliques et durables, dont le Christ Rédempteur reste l’exemple le plus emblématique.

1. Ossip Zadkine (1890-1967)

• Style : Sculpteur d'origine russe, Zadkine est un des représentants majeurs du mouvement moderniste en sculpture. Son œuvre mêle influences cubistes et expressionnistes.
• Œuvres clés :
  • Torse d'hermaphrodite (1925-1931) : sculpture en bois d'acacia laqué, alliant formes géométriques et sensualité, exposée au Musée Zadkine à Paris.
  • Jeune fille à la colombe (1928) : bronze, symbolise la paix et la pureté, caractéristique de son travail sur la figure humaine stylisée.
• Caractéristiques :
  • Usage fréquent du bois et du bronze.
  • Formes fragmentées et stylisées, souvent inspirées du cubisme.
  • Expression d’une tension entre abstraction et figuration.

2. Chana Orloff (1888-1968)

• Style : Sculptrice d’origine ukrainienne, Orloff est reconnue pour ses représentations sensibles et élégantes du corps humain, mêlant modernisme et tradition.
• Œuvres clés :
  • Femme accroupie (1925) : bronze, incarnation d’une forme simple et épurée, mettant en valeur la posture et la douceur des volumes.
  • Jeune Américain (1925) : bronze, portrait expressif, illustrant son intérêt pour la psychologie des sujets.
• Caractéristiques :
  • Travail sur la douceur des formes et la fluidité des lignes.
  • Préférence pour le bronze, avec un rendu lisse et poli.
  • Fusion entre réalisme et stylisation moderne.

3. Comparaison rapide des trois sculpteurs

À retenir : Zadkine et Orloff incarnent deux facettes complémentaires de la sculpture moderne, l’une plus géométrique et expressive, l’autre plus douce et réaliste, toutes deux renouvelant la représentation du corps humain au XXe siècle.